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Musik muss nobel sein »Musik muss nobel sein« – Toshio Hosokawa wählte einmal diesen Bekenntnissatz im persönlichen Gespräch, um sich von der Ästhetik anderer Komponisten abzugrenzen. Mir scheint dieser Satz eine treffende Beschreibung der Musik Hosokawas, schöpft sie doch die ihr eigene Noblesse aus einer durchaus noblen Quelle: dem ›Gagaku‹, der Musik des japanischen kaiserlichen Hofes. Womit nicht gesagt sein soll, der Komponist sei von Kindesbeinen an mit diesen Klängen vertraut gewesen. Vielmehr versichert Hosokawa, erst im fortgeschrittenen Stadium seiner Studien – anlässlich seines Aufbaustudiums in Berlin bei Isang Yun – mit Gagaku in Berührung gekommen zu sein, wodurch er erst, gewissermaßen durch Fremdeinwirkung, zu seinen Wurzeln gefunden habe. Und wirklich fristete die klassische Musik Japans in ihrem eigenen Land lange ein Nischendasein als rein funktionale Musik zu Tempelfesten oder Hochzeitszeremonien: Eine zeremonielle Musik eben, die außerhalb des jeweiligen Anlasses ihren Weg in das Musikleben zunächst nur im Ausland gefunden hatte. Zu lange durfte sie diesen Weg ja auch gar nicht finden, war sie doch als Hofmusik nur für die kaiserlichen Ohren bestimmt und dem normalen Volk hinter dicken Palastmauern entrückt. Elemente, die Hosokawa vom Gagaku auf seine eigene Musik übertragen hat, sind zunächst ein fast durchweg zeremoniell getragener Duktus, aber auch einzelne rhythmische Gestalten wie das der Trommel ›Kakko‹ abgelauschte Accelerando und die generell heterophone Anlage seiner Klangsprache, die sich hier vor allem so auswirkt, dass lange durchgehaltene harmonische Felder von den Orchesterstimmen individuell ›ausgefüllt‹ werden, oder: Jedes Instrument spinnt seinen eigenen Faden unter Berücksichtigung eines begrenzten, für alle gültigen Tonvorrats. Würde Homophonie durch eine Vertikale und Polyphonie durch eine Horizontale versinnbildlicht, so stünde für Hosokawas heterophones Vorgehen treffend eine Diagonale. Dabei findet Hosokawa in seinen somit eigentlich entwicklungslosen Klanglandschaften immer wieder zu überraschender Vielfalt, die indes auf höchst einfache Vorgehensweisen zurückgeht. Seine Fähigkeit, aus wenig viel machen zu können, verrät einerseits Hosokawas Meisterschaft in Kompositionstechniken des Westens, andererseits seine Verwurzelung in der japanischen Kultur der Einfachheit, der Reinheit, ja: der Armut. Ein Beispiel: Wenn etwa gerade einmal die je drei oberen und unteren Töne eines 6-tönigen Akkordes durch gegenläufige Oktavierung vertauscht werden und durch diesen so einfachen Schritt ein völlig neuer Spannungszustand, ein gänzlich neu zu hörendes harmonisches Feld für neue Exkursionen ins Reich der Farbzeichen und zu ungeahnter Vielfalt und musikalischem Reichtum entstehen, so wird klar: Diese Musik will nichts, sie ›verfolgt‹ nichts, sie will nichts sein außer sie selbst. Sie ruht in sich, in ihrer Schönheit. Und – ja, sie ist nobel. Das Flötenkonzert Per-Sonare (1988) ist nicht von ungefähr Hosokawas erste Komposition für ein Soloinstrument und Orchester, ist doch die Flöte von allen europäischen Instrumenten das, welches am ehesten mit seinem japanischen Pendant zu vergleichen wäre. Hörbar stand der Klang der ›Shakuhachi‹ (Bambusflöte) Pate bei der Konzeption dieser Musik mit dem vielfach aufgebrochenen, oft geräuschhaften Klang, bei dem der Ton des Instrumentes und das Geräusch des Atems miteinander verschmelzen, sich durchdringen: ›per-sonare‹. Hosokawa versteht darüber hinaus das Orchester und seinen Klang wie eine zu gestaltende Landschaft. Der Klang wandert durch den Raum, zwei als ›Echo I‹ bzw. ›Echo II‹ bezeichnete Orchestergruppen befinden sich ›sehr weit entfernt‹ links und rechts hinter den Zuhörern und sind im Klangpanorama unserer Aufnahme weit links und rechts außen zu hören. Die Vorstellung des Klanges als Landschaft gibt dem Violinkonzert von 1993 seinen Titel: Landscape III, Teil eines Zyklus von Kompositionen verschiedener Besetzungen. Hört man die mit Irvine Arditti, dem Widmungsträger der Partitur, eingespielte Aufnahme im unmittelbaren Zusammenhang mit den anderen Werken dieser CD, so wird die oben angesprochene Einfachheit der Techniken evident – aber auch, wie sehr der Komponist durch diese Einfachheit zu verschiedenartigen Lösungen kommt. abei wird eine Reduktion auf im Wesentlichen nur zwei verschiedene Klanggesten deutlich: ein horizontal/diagonales (siehe oben) Kontinuum im zumeist unteren dynamischen Bereich und – zupackend laut und scharf konturiert – vertikale Schnitte, die wie schroffe Felsblöcke in einer sonst lieblichen Landschaft stehen. Hosokawa hat das Zusammenwirken dieser Klanggesten in einer eigenen Reihe von Kammermusikwerken, den Vertical Time Studies, ausgiebig studiert. Das Klavierkonzert Ans Meer entstand 1999 anlässlich der Verleihung des Duisburger Musikpreises an Hosokawa und ist dem Pianisten Bernhard Wambach gewidmet. Als Revision eines früheren Werkes, dem Konzert für Saxophon und Orchester, vereint der Komponist die oben genannten Klanggesten in den dem Klavier eigenen Repertoire von Techniken. Das filigran Lineare und das scharf konturiert Akkordische werden so nicht nur in der großformalen Anlage gegeneinander gestellt, sondern vor allem im Soloinstrument zu immer neuen Klanggestalten verschmolzen. Robert HP Platz |
Programm:
[01] Landscape III (1993) 16:59
Concerto for Violin and Orchestra
Irvine Arditti, violin
Deutsches Symphonie-Orchester Berlin
[02] Flute Concerto “Per-Sonare” (1988) 18:51
Gunhild Ott, flute
SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg
[03] Ans Meer (1999) 14:33
Concerto for Piano and Orchestra
(after the Concerto for Saxophone and Orchestra)
Bernhard Wambach, piano
NDR Radiophilharmonie
total time 50:35
Robert HP Platz, conductor
Pressestimmen:
01.10.2011
22.05.2010
03/2010
2/3.01.2010
01.03.2009
Sincretismo cultural
El (fructífero) conflicto (y síntesis) que se produce en el aparato estético de compositores como Tōru Takemitsu, Isang Yun, Misato Mochizuki o Unsuk Chin, entre otros muchos creadores de países tan dispares entre sí como Japón, Corea o China, tiene su origen en la confluencia en sus obras de dos ámbitos culturales tan dispares como Oriente y Occidente. Precisamente, de Takemitsu son unas palabras que hacen hincapié en el itinerario que siguieron muchos compositores en Extremo Oriente, cuando afirma: “me gustaría avanzar en dos direcciones al mismo tiempo: como japonés, por el camino de la tradición; como europeo, por el de la innovación. En lo más profundo de mi ser me gustaría conservar dos tipos de música, cada uno de ellos en su forma originaria y legítima. Partir de estos elementos por naturaleza irreconciliables a la hora de emprender cualquier composición no es, desde mi punto de vista, más que un primer paso. No quiero que se disuelva esta oposición tan fértil; al contrario, quiero que ambos bloques luchen entre sí. De este modo evito alejarme de la tradición sin dejar de avanzar hacia el futuro con cada nueva obra”.
En el núcleo central de este dilema, presente de un modo crucial en las tierras del sol naciente, se sitúa el japonés Toshio Hosokawa (Hiroshima, 1955), un compositor cuyo interés por la música se centró inicialmente en la tradición clásico-romántica europea, sin que prestara una atención sustantiva a las estéticas orientales hasta entrar en contacto, a comienzo de los años setenta, con la obra del coreano Isang Yun, que le descubrió el enorme bagaje preexistente en Asia, convirtiéndose desde 1976 en su maestro en Berlín. Continuó Hosokawa estudios con Ferneyhough y Huber, que lo dirigieron hacia una nueva mirada a su Japón natal, descubriendo técnicas vocales como el shōmyō, la noble cultura del gagaku o instrumentos como el shō, además de ahondar en la investigación para dotar de individualidad a las diferentes expresiones artístico-musicales del pasado nipón. Este proceso condujo a Hosokawa a la adopción cada vez mayor de técnicas de origen japonés, música en la que se constituye como una de las voces más reconocibles del presente, tratando con frecuencia los instrumentos occidentales con criterios derivados de la música de su país natal.
El compacto que hoy comentamos, primero de una serie que el sello alemán NEOS dedica a los conciertos de Toshio Hosokawa, nos sirve a la perfección para profundizar en este sincretismo tan fecundo en la obra del japonés. El Concierto para flauta ‘Per-Sonare’ (1988) es un magnífico ejemplo de lo antes mencionado. Primer concierto solista compuesto por Hosokawa, en él se explota la sonoridad ancestral, atávica, primordial, que posee la flauta, y que aparece de un modo transversal en tantas culturas del mundo. Hosokawa acerca la tímbrica de la flauta travesera europea al sonido del shakuhachi, la flauta de bambú oriental, con su rudeza en la textura y su amalgama entre los sonidos del aliento a través del soplido y del tono propiamente instrumental. Con todo, la dulzura de la flauta también está presente, como su profundidad y carácter meditativo -que nos traerá a la mente al nipón Watazumido-Shuso en el film de Tarkovski Offret (Sacrificio, 1986)-, o pasajes en los que su agilidad y fraseos recuerdan al trino de los pájaros. Esta referencia a la naturaleza es recurrente en Hosokawa, como el valor expresivo del eco, aquí materializado a través de dos grupos orquestales: ‘Eco I’ y ‘Eco II’, emplazados en el auditorio en la lejanía, por detrás de los oyentes.
Landscape III (1993), concierto para violín y orquesta, comienza con pasajes de abigarradas texturas cromáticas, con masas de carácter espectral en fuerte consonancia que dibujan texturas sonoras densas al tiempo que transparentes, aportando una sensación de nebulosa livianeidad que Hosokawa consigue a través de los tratamientos heterofónicos del sonido. Como nos señala Robert HP Platz, “si la homofonía estuviera representada por la vertical y la polifonía por la horizontal, el método heterofónico de Hosokawa estaría exactamente por la diagonal”. Ello da lugar a paisajes sugerentes, privados en cierto modo de evolución, de apariencia estáticos, aunque con gran vida. En el comienzo de Landscape III se hace difícil no pensar en las bellísimas fotografías rothkianas de Hiroshi Sugimoto, especialmente por lo que al trasfondo orquestal se refiere, y no tanto al aguerrido violín solista, que va despertando a todo un campo sonoro, a un soundscape que se conforma como trasunto de un paisaje visual. Esta ‘quietud móvil’ inicial pronto se ve alterada por sucesivos tsunamis, por una concatenación de clímax con crescendi dinámicos e interválicos muy marcados y pulsiones aceleradas de la percusión. El paisaje se hace, de este modo, convulso, como placas tectónicas inestables en conflicto, llenas de crudeza tras disiparse la mayor homofonía inicial y aparecer un paisaje de proliferaciones verticales más crudas y violentas, que en lo técnico nos remiten a sus diversos Vertical Studies. Sólo el final del concierto, tras estas avalanchas sonoras, recupera la quietud y la sutilidad, a través de unas percusiones que dibujan un paisaje desnudo, sereno y trascendental.
Ans Meer (1999) es un arreglo para piano y orquesta del Concierto para saxofón (1998-99) del propio Hosokawa. Su estructura resulta más difusa que la de los anteriores conciertos, y el carácter del piano se encuentra amalgamado con el de la orquesta, con respecto a la cual funciona como otra de sus componentes ‘verticales’. Ans Meer nos invita a un viaje interior, relacionado con el concepto nipón del sawari, del punto de contacto entre la naturaleza y el individuo, en este caso un piano y una orquesta que se funden, aun conservando una naturaleza propia que reconocemos en todo momento. Se trata, como diría el bueno de Jean Genet, de encontrar el punto de fractura entre lo visible y lo intangible, colmándolo de poesía.
Las versiones seleccionadas por NEOS me han parecido notables a nivel orquestal por lo que a ‘Per-Sonare’ y Landscape III se refiere, y no tan perfecta en el caso de Ans Meer con la NDR, donde prefiero la interpretación dirigida por Ken Takaseki para Kairos (0012172 KAI), aunque allí se trate de la realización original para saxofón. Por lo que a los solistas se refiere, notables y eficaces como siempre Irvine Arditti y Bernhard Wambach -ambos dedicatarios de estas partituras-, y excelente Gunhild Ott en su concierto para flauta, que borda a lo largo de los muchos registros y modos que debe desarrollar durante los casi veinte minutos de la pieza. El compositor y director Robert HP Platz conduce estos conciertos con sapiencia, dada su larga relación con la música de Hosokawa, un compositor al que conoce en profundidad. El sentido atmosférico y trascendental de sus obras, así como la apuesta por el sincretismo que hemos venido señalando, son audibles en este primer volumen, que esperamos tenga una continuación próxima.
Las tomas sonoras son muy limpias aunque algo alejadas si las comparamos con los registros orquestales para Kairos. Es una pena que no se hayan aprovechado las posibilidades del SACD para ‘Per-Sonare’, dado el trabajo de espacialización que lleva a cabo Hosokawa detrás del auditor, algo que en 5.1 se puede reproducir de un modo más fidedigno con los actuales sistemas surround. La presentación del compacto es tan cuidada como acostumbra NEOS, y además de material gráfico que incluye ejemplos de partitura y fotos, adjunta también unas breves pero interesantes notas a cargo del propio Robert HP Platz.
Paco Yáñez
23.10.2009
Horizons lointains
Le compositeur japonais Toshio Hosokawa nous avait enthousiasmé avec sa pièce pour grand orchestre Circulating Ocean. Le label Neos propose judicieusement un album regroupant des concertos. Installé à Berlin, le compositeur est plus près des formations, institutions et circuits de diffusions allemands que des milieux français, c’est heureux pour lui, mais c’est dommage pour nous car sa musique délicate et raffinée n’est pas éloigné d’une certaine sensibilité latine et mérite une écoute attentive.
Dans la notice de présentation, le compositeur insiste sur son intérêt pour le « gagaku » qu’il a découvert lors de ses années d’études à Berlin auprès d’Isang Yun. De cette pratique musicale, Hosokawa retient quelques figures rythmiques, mélodiques et instrumentales qui donnent à sa musique un côté scintillant, ondoyant mais presque immobile et minimal. La musique d’Hosokawa est travaillée à l’extrême avec, au fil des écoutes, l’émergence de nombreux détails d’instrumentation qui évoluent vers une explosion de couleurs froides mais suggestives du Japon lointain.
Le concerto pour flûte Per-Sonare (1988) est la première partition concertante de l’artiste. La flûte est un pont entre le Japon et l’Europe et Hosokawa se plaît à faire sonner sa pièce avec de nombreuses réminiscences de l’orient. Les sons se fusionnent dans un paysage sonore vaporeux et auroral tout en explorant la spatialisation de l’orchestre avec un dialogue entre deux groupes instrumentaux. L’oreille émerveillée est transportée dans un univers enchanteur et poétique.
Créé en 1993, Landscape III pour violon est, comme son nom l’indique, une partie d’un cycle pour différents instruments. Cette pièce évolue vers une plus grande économie de moyens ; le discours est organisé de part et d’autre d’une ligne horizontale : la partie soliste semble être un roc granitique et brut dans un paysage orchestral luxuriant. Le concerto Ans Meer (1999) est une reprise du concerto pour saxophone et orchestre, cette pièce poursuit les recherches sonores du compositeur en les adaptant au piano.
Comme le dit le compositeur : « la musique se doit d’être noble », avec Hosokawa, elle l’est indubitablement avec un créateur au langage personnel, original et ensorcelant.Les artistes, tous allemands, habitués à la musique contemporaine, livrent un service « sur-mesure ».
Pierre-Jean Tribot
Auszeichnungen & Erwähnungen:+
Clef de l’année
ResMusica.com
23.10.2009
Horizons lointains
Le compositeur japonais Toshio Hosokawa nous avait enthousiasmé avec sa pièce pour grand orchestre Circulating Ocean. Le label Neos propose judicieusement un album regroupant des concertos. Installé à Berlin, le compositeur est plus près des formations, institutions et circuits de diffusions allemands que des milieux français, c’est heureux pour lui, mais c’est dommage pour nous car sa musique délicate et raffinée n’est pas éloigné d’une certaine sensibilité latine et mérite une écoute attentive.
Dans la notice de présentation, le compositeur insiste sur son intérêt pour le « gagaku » qu’il a découvert lors de ses années d’études à Berlin auprès d’Isang Yun. De cette pratique musicale, Hosokawa retient quelques figures rythmiques, mélodiques et instrumentales qui donnent à sa musique un côté scintillant, ondoyant mais presque immobile et minimal. La musique d’Hosokawa est travaillée à l’extrême avec, au fil des écoutes, l’émergence de nombreux détails d’instrumentation qui évoluent vers une explosion de couleurs froides mais suggestives du Japon lointain.
Le concerto pour flûte Per-Sonare (1988) est la première partition concertante de l’artiste. La flûte est un pont entre le Japon et l’Europe et Hosokawa se plaît à faire sonner sa pièce avec de nombreuses réminiscences de l’orient. Les sons se fusionnent dans un paysage sonore vaporeux et auroral tout en explorant la spatialisation de l’orchestre avec un dialogue entre deux groupes instrumentaux. L’oreille émerveillée est transportée dans un univers enchanteur et poétique.
Créé en 1993, Landscape III pour violon est, comme son nom l’indique, une partie d’un cycle pour différents instruments. Cette pièce évolue vers une plus grande économie de moyens ; le discours est organisé de part et d’autre d’une ligne horizontale : la partie soliste semble être un roc granitique et brut dans un paysage orchestral luxuriant. Le concerto Ans Meer (1999) est une reprise du concerto pour saxophone et orchestre, cette pièce poursuit les recherches sonores du compositeur en les adaptant au piano.
Comme le dit le compositeur : « la musique se doit d’être noble », avec Hosokawa, elle l’est indubitablement avec un créateur au langage personnel, original et ensorcelant.Les artistes, tous allemands, habitués à la musique contemporaine, livrent un service « sur-mesure ».
Pierre-Jean Tribot
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