Toshio Hosokawa: Solo Concertos Vol. 2

Verwandlung und Reisen ins Innere

Durch Isang Yun, seinen ersten Kompositionslehrer in Deutschland, begriff Toshio Hosokawa, »was es heißt, Asiate zu sein«. Damals lernte er die postserielle neue Musik kennen, eine Musik farbiger Klangflächen, in die Yun ostasiatische Stilelemente wie lang ausgehaltene Klänge, verschiedene Glissando- und Pizzicato-Arten sowie zahllose Ornamente inkorporierte. Vermittelte ihm Yun das Wirken von Yin und Yang in der Musik, so lernte er durch Tôru Takemitsu, der ihm jahrelang ein Vorbild war und den er Anfang der 1980er Jahre auch persönlich kennenlernte, die Ästhetik der Stille kennen, die für die Herausbildung seines Personalstils wesentlich wurde.

»Schweigen oder Leere – das kann auch Schatten sein. Schweigen und Klänge, Schatten und Licht – auch das ist Yin und Yang. Man kann das auf ganz verschiedene Weise deuten … Takemitsu hat mich hier sehr beeinflusst; er forderte Klänge ›so stark wie das Schweigen‹.« Ein weiterer Einfluss ging von Helmut Lachenmann aus: Geräuschhaft verfremdete Klänge tragen dazu bei, dass der Orchesterapparat zum Instrument für eine eigene besondere Musiksprache wurde, wobei Hosokawa vor allem den Piano-Bereich ausdifferenzierte und weiterentwickelte. Hosokawa gelingt es, die Klangfarben der einzelnen Instrumente und Instrumentengruppen einander derart anzunähern, dass eine einheitliche, homogene Farbe entsteht und seine Orchestertuttis oft einen orgelartig atmenden Klang entfalten.

Takemitsu förderte Hosokawa auch praktisch, indem er ihm Aufführungen bei Festivals in Tokyo 1982 (Music Today), London 1991 oder Seattle 1992 verschaffte. Sein Tod am 20. Februar 1996 (nur wenige Monate nach Isang Yuns Tod am 3. November 1995) löste eine Betroffenheit aus, die zu zwei In-memoriam-Kompositionen führte: Für den Kinderchor »Little Singers of Tokyo« entstand das Requiem Singing Trees (1996/97) und als Auftragswerk für ein Porträtkonzert in der Suntory Hall in Tokyo 1997 das Cello Concerto – In memory of Tôru Takemitsu (1997). Auch diese zweite In-memoriam-Komposition, die Hosokawa für Takemitsu schrieb, erscheint als eine Art Requiem.

Das am 6. Oktober 1997 von Julius Berger und dem Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra unter Naohiro Totsuka uraufgeführte Werk hat vier Teile, die vielleicht eine Lebensgeschichte andeuten. Lang gezogenen Tönen, die allmählich ansteigen, steht eine zweite Ebene erdhaft tiefer Klänge gegenüber; ein katastrophisches Tutti beschließt den ersten Teil. Das Cello dominiert auch den zweiten Teil, in den diverse Pizzicato-Effekte und fallende Gesten inkorporiert sind. Kollektiv schattenhaft wirkt der langsame dritte Teil, in dem einzelne Klänge des Orchesters, das die Natur bzw. äußere Welt symbolisiert, heraustreten und mit dem Cello dialogisieren. Auf die Solo-Kadenz des Cellisten erscheint eine Elevatio; der Aufstieg in eine dem Diesseits enthobene höhere Welt wird zumindest angedeutet.

Als Voyage bezeichnet Hosokawa eine Reihe von Solokonzerten, bei denen der Solist, das lyrische Ich, nicht einem Orchester, sondern der kleineren Besetzung eines Instrumentalensembles gegenübersteht. Voyage bedeutet hier »Reise nach innen«, eine Atemmeditation, bei der die Technik der »kreisenden Zeit«, des »Kommens und Gehens«, des Aus- und Einatmens für die kompositorische Organisation des in sich bewegten Klangs wesentlich ist.

Voyage VII für Trompete und Streicher mit Schlagzeug (2005), ein Auftragswerk des Norddeutschen Rundfunks (für die Konzertreihe ›das neue werk‹), wurde in Hamburg am 17. Juli 2005 von einem Ensemble der Orchesterakademie des Schleswig-Holstein Musik Festivals unter Leitung von Toshio Hosokawa uraufgeführt. Er widmete Voyage VII dem Solisten dieser Uraufführung, dem aus Belgien stammenden Trompeter Jeroen Berwaerts.

Zu Beginn »malt« Hosokawa Windgeräusche, entlockt den langsam glissandierenden Streichern ätherische Flageolettwirkungen. Raffiniert entwickelt Hosokawa die (anfangs sordinierte) Stimme der Trompete. Die zunächst kürzeren Phrasen verkettet er zu längeren und feiner gewebten melodischen Bildungen bis hin zu einer großen dramatischen Steigerung. Eine Coda bringt den Rückzug ins Innere.

Metamorphosis für Klarinette und Streichorchester mit Schlagzeug (2000) entstand für das Lucerne Festival, das 2000 unter dem Motto »Metamorphosen« stand. Sabine Meyer, der das Werk gewidmet ist, spielte die Uraufführung mit dem Chamber Orchestra of Europe unter der Leitung von Heinz Holliger. Das Streichorchester wird in dieser Komposition durch ein Echo-Orchester (sechs Violinen, Cello, Kontrabass) ergänzt, um differenzierte raumakustische Klangwirkungen zu erzielen. (Im Cellokonzert setzt Hosokawa ebenfalls eine Echogruppe, ein Echo der Blechbläser, ein). Auch dieses Stück folgt einer Steigerungsdramaturgie und erweckt den Eindruck eines Dramas, das sich ohne Worte vollzieht. Den Titel Metamorphosis bezieht Hosokawa auf die Gegenüberstellung und Kombination, auf das Wachstum und die Vernetzung musikalischer Zellen: hohe und tiefe Lagen, weit geschwungene Aufwärtsgesten, Abbrüche, leise wiegendes Cantabile, schwingende Ausweitung im Raum, Vereinigung mit dem Orchesterklang, Solo-Kadenz und naturhaft-räumlicher Ausklang.

Walter-Wolfgang Sparrer