Infotext:
„Hundert Jahre Neue Musik – was nun?“ Die vom Veranstalter in den Raum geworfene Frage provoziert unterschiedliche Positionsbestimmungen. Enno Poppe zieht sich in eine staubige Ecke, Isabel Mundry in ein philosophisches Spiegelkabinett zurück. Ben Johnston feiert sein spätes Donaueschinger Debüt mit dem „Quintet for groups“. Brice Pauset, Arnulf Herrmann und Bernhard Gander lassen ihre Gedanken „tanzen“: solistisch in sehr weiter Ferne, gruppendynamisch-chaotisch in der Nähe, ganz entspannt in der Disco um die Ecke. Saed Haddad fordert für sich „Das Erhabene“, Eduardo Moguillansky greift Formen mit glutheißer Substanz an, Georges Aperghis balanciert Gewichte auf einer Wippe. Brian Ferneyhough meint: Die Vielfalt der Phänomene um euch herum ist verwirrend, inkommensurabel. Bleibt wachsam, beobachtet sie genau… Dror Feiler erhebt sich und antwortet: Auf sie mit Gebrüll!
Programm:
SACD 1
Isabel Mundry (*1963)
[01] Ich und Du for piano and orchestra (2008) 14:39
World premiere · Work commissioned by SWR
Thomas Larcher, piano
SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg · Pierre Boulez, conductor*
Enno Poppe (*1969)
Altbau for orchestra (2008) 17:16
[02] I 07:16
[03] II 10:00
World premiere · Work commissioned by SWR
SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg · Pierre Boulez, conductor*
Brice Pauset (*1965)
[04] Die Tänzerin (Symphonie V) for large orchestra (2008) 14:45
World premiere · Work commissioned by SWR
SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg · Sylvain Cambreling, conductor
Ben Johnston (*1926)
[05] Quintet for Groups (1965/1966) 18:07
German premiere
SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg · Sylvain Cambreling, conductor
total time 64:47
* Pierre Boulez appears by courtesy of Deutsche Grammophon GmbH
SACD 2
Arnulf Herrmann (*1968)
Fiktive Tänze (Erster Band) 11:23
for 17 musicians (2008)
[01] I Gerader Tanz (Eröffnung) 01:46
[02] II Verlangsamter Tanz 03:09
[03] III Kurzer Rausch (Schiefe Perioden) 02:35
[04] IV Auszeit 01:16
[05] V Schwieriger Tanz 02:37
World premiere · Work commissioned by SWR
Ensemble Modern · Frank Ollu, conductor
Saed Haddad (*1972)
[06] The Sublime for ensemble (2008) 11:54
World premiere · Work commissioned by SWR with the kind support of Friends of Ensemble Modern e.V.
Ensemble Modern · Frank Ollu, conductor
Eduardo Moguillansky (*1977)
[07] Cire perdue for large ensemble (2008) 09:49
World premiere · Work commissioned by SWR
Klangforum Wien · Emilio Pomàrico, conductor
Georges Aperghis (*1945)
[08] Teeter-totter for ensemble (2007/2008) 14:35
World premiere · Work commissioned by SWR
Klangforum Wien · Emilio Pomàrico, conductor
Bernhard Gander (*1969)
[09] Beine und Strümpfe for ensemble (2007) 11:48
World premiere · Work commissioned by SWR
Klangforum Wien · Emilio Pomàrico, conductor
total time 59:29
Ensemble Modern, Klangforum Wien
SACD 3
Brian Ferneyhough (*1943)
[01] Chronos-Aion 27:26
Concerto for ensemble (2008)
World premiere of the complete version
Commissioned for the Munich Biennale by Ensemble Modern with the kind support of Friends of Ensemble Modern e.V., funds of the Ministry of Science and Art of the Federal State of Hesse, and the State Capital of Munich
Ensemble Modern · Frank Ollu, conductor
Dror Feiler (*1951)
[02] Müll 38:39
for amplified chamber orchestra, two singers and live electronics (2008)
from Fünf Schwierigkeiten beim Schreiben der Wahrheiton texts by César Vallejo
World premiere · Work commissioned by SWR
Meira Asher · Martin Winkler, voices
Dror Feiler, laptop & live electronics
Klangforum Wien · Rolf Gupta, conductor
Peter Böhm/Florian Bogner/Corinne Schweizer, sound directors
total time 66:05
Ensemble Modern, Klangforum Wien
Pressestimmen:
07/08.2010
03.05.2010
El oráculo Donaueschingen
Las Donaueschinger Musiktage conforman, desde su nacimiento, y junto con los cursos de Darmstadt, uno de los oráculos musicales por excelencia para estar al tanto de las vanguardias postseriales. Como afirmó en su día Heinrich Strobel: “no todos los años se descubren un puñado de genios y obras maestras. Intentamos proporcionar una visión de conjunto y podemos darnos por contentos si, de vez en cuando, descubrimos algo valioso”. En el caso de la edición 2008 de las jornadas alemanas, que ahora recoge el sello NEOS (fruto de la migración de su productor, Wulf Weinmann, de Col legno a esta nueva discográfica), el interés de las propuestas es notable, pero irregular, como podremos ver a través de los tres discos compactos que conforman este lanzamiento.
En el primero de ellos destaca poderosamente la Sinfonía V ‘Die Tänzerin’ (2008), del francés Brice Pauset (Besançon, 1965), un creador que, como el también galo Gérard Pesson, demuestra la fuerte impronta que el lenguaje lachenmanniano ha marcado en todo el continente. Continuador del método de la musique concrète instrumentale, Pauset desarrolla soluciones personales, ampliando ese universo sonoro de partida con referentes propios de su país de origen. De este modo, nos dice: “En la Francia del siglo XVII existía una literatura poético-técnica que establecía explícitamente una relación funcional y estructural entre ambas dinámicas de movimientos (analítica en un caso, sintética en el otro), relación de la que quiero extraer un tercer término en Erstarrte Schatten, el de la materia y su ausencia”. Ello se materializa en una profunda reflexión sobre lo que podríamos llamar sonidos-figura y sonidos-fondo (por remitirnos al mundo iconográfico de la pintura), lo cual depara un interés de Pauset por los ruidos y sonidos ‘colaterales’ que se producen en los contornos, en este caso en la danza, a la que alude el título de la sinfonía (desde luego, para nada al uso). La poderosa Die Tänzerin explora un campo acústico muy estructural, marcado por patrones reconocibles, pero sin perder de vista elementos emergentes inesperados, matices reveladores y una sensualidad absolutamente contemporánea y velada que se desliza entre efectos instrumentales de un refinamiento y una calidad técnica a la altura de lo mejor.
En el resto del compacto resulta bastante interesante Ich und Du (2008), de Isabel Mundry (Schlüchtern, 1963), una obra muy sensible y refinada en cuanto a timbres; masiva en su comienzo y cada vez más depurada e introspectiva, en lo que es todo un viaje al interior de uno/a mismo/a a través de los conceptos del ‘tú’ y del ‘yo’, que tanto se asocian al piano como a la orquesta, invirtiendo los términos y enfatizando la complejidad de definir lo esencialmente individual en una sociedad tan marcada por los mass media y sus mensajes globalizadores. También atractiva resulta Quintet for Groups (1965-66), del norteamericano Ben Johnston (Macon/Georgia, 1926), una obra que se rescata muchos años después de su estreno y que nos habla del apasionante periodo en que los Estados Unidos buscaban (y lograban) una afirmación artística propia. Dentro de este monumental Quintet se perciben ecos de dos figuras clave en ese proceso, como lo fueron Charles Ives, con sus capas superpuestas, aquí complicadas con una espacialidad multifocal, y John Cage, del que Johnston fue alumno y del cual se deriva un uso muy atractivo de los instrumentos preparados. Una pieza situada entre muchos territorios, entre lo viejo y lo nuevo. Por último, con Enno Poppe (Hemer, 1969) llegamos a uno de los valores más defendidos entre los nuevos compositores alemanes. Con su obra orquestal Altbau (2008) me vuelvo a encontrar con un discurso ya muy manido, especialmente en su rítmico e incisivo primer movimiento. Más convincente me ha parecido el segundo, con un trabajo textural muy atento a las oleadas sonoras y a su sedimentación acústica. Se aprecia una notable técnica en Poppe, sí, cuidada en los timbres, en su manejo de espacios y silencios, en la síntesis que en dichos marcos consigue, pero uno queda con la sensación que no se llega a mucho más.
Las interpretaciones de este primer disco corren a cargo de la soberbia SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg, una de las mejores formaciones europeas en este repertorio. Pierre Boulez se hace cargo de las piezas de Mundry y Poppe, algo que es de agradecer, dado el conservadurismo que preside sus grabaciones para la Deutsche Grammophon (aunque imagino que en ello hay más parte de culpa en el sello amarillo que en el maestro francés). Sylvain Cambreling dirige, ¡y cómo lo hace!, Pauset y Jonhston, marcando los puntos fuertes del disco.
El segundo SACD resulta de lo más variado en cuanto a propuestas, todas ellas escritas para ensemble instrumental. Comienza el disco con las Fiktive Tänze (2008), del alemán Arnulf Herrmann (Heidelberg, 1968), una obra que a partir de una sucesión de doce negras va exponiendo un motivo abordado desde cinco ángulos diversos que abarcan lo regular y lo irregular en relación a los movimientos de danza en el cuerpo humano. El jordano Saed Haddad (Az Zarqā, 1972) reflexiona sobre los conceptos de lo ‘bello’ y lo ‘sublime’ precisamente en The Sublime (2008). En ella Haddad se adentra en cómo determinadas piezas de arte provocan en nosotros sobrecogimiento, un estado del espíritu en el cual dice se suspenden las emociones, a través de una suerte de invasión por parte de la fuerza y misterio que emana la obra. The Sublime se dispone como una suerte de recorrido iniciático a través de estancias tímbricas que se van desplegando a nuestro alrededor, procurando evocar distintos estados de conciencia, en una dinámica de fases de gran abigarramiento instrumental seguidas de suspensiones etéreas y reflexivas. Eduardo Moguillansky (Buenos Aires, 1977) presenta Cire perdue (2008), un denso y bello trabajo sobre la posibilidad de que los moldes musicales generen diversas copias, y cómo éstas se van degradando al intentar imitar al original. En una serie de seis tentativas, el bonaerense va mostrando cómo estos procesos tan a menudo se escapan de nuestro control y deseo de racionalización. Con una erudición y un verbo tan típicos de un culto rioplatense como él, Moguillansky nos dice que “como sucede en la paradoja del mapa y el territorio nosotros intentamos traducir a escala humana la inconmensurabilidad del universo, con la esperanza de que algún rincón insospechado esconda las letras que conforman nuestro nombre”. Hermosa obra y hermosa explicación de lo complejo que es moverse por los derroteros de los mapas humanos sin perder nuestra brújula más interior. De Georges Aperghis (Atenas, 1945) escuchamos Teeter-totter (2007-08), que ahonda (nueva vuelta de tuerca) en la pasión del griego por el trabajo polirrítmico, a través de alternancias, proliferaciones, discrepancias y búsquedas de equilibrios complejos entre sus múltiples motivos musicales. Por último, y tras la cierta ‘rigidez’ de Aperghis, deslumbra el festín sonoro que nos regala Bernhard Gander (Lienz, 1969) en Beine und Strümpfe (2007). Gander, con su habitual (y fina) ironía explica su pieza Piernas y medias diciéndonos que ésta funciona como la vida de los apéndices orgánicos y las mallas textiles mismas, pues primero se realiza el proceso de producción sonora, con sus distintas texturas, volúmenes y matices; después éstas recorren pasarelas entre aplausos y flashes; y por último, en el fragor de una discoteca experimentan distintos ritmos de baile, los rincones oscuros en los que proliferan las fricciones, carreras y desgarros pasionales, para volver al estrépito del bullicio y del baile. Actual y mordaz como siempre, Gander explota ritmos y timbres de un modo notabilísimo y lleno de ocurrencias. Toda una bacanal sonora.
Las interpretaciones de este segundo compacto corren a cargo de los dos grandes conjuntos de la música actual europea: Ensemble Modern a las órdenes de Franck Ollu (Herrmann y Haddad); y Klangforum Wien bajo la dirección de Emilio Pomàrico (Moguillansky, Aperghis y Gander). Magníficas todas las lecturas, de una calidad técnica sobrecogedora, verdaderamente sublime, por tomar el término de Haddad. Lo del Klangforum con Gander es de auténtica impresión.
El tercer y último compacto comienza con una de las vacas sagradas de la composición actual, con el inglés Brian Ferneyhough (Coventry, 1943), del que escuchamos su concierto para ensemble Chronos-Aion (2008). No se trata de la pieza más atractiva de Ferneyhough que haya escuchado últimamente, aunque sí destaca en ella su enorme talento para el trabajo de los timbres y las relaciones entre los discursos instrumentales que se van cruzando a lo largo del concierto. Chronos-Aion se despliega como todo un cronograma del tiempo inherente a los diversos materiales que reúne el compositor británico, atendiendo, dice, “a la temporalidad de la figura concreta, los cambios abruptos de la textura, de perspectiva y de orientación”, deparando un trazo general sereno en el que proliferan diversas intensidades orgánicas sobre una masa acústica informe. Este estudio del tiempo parte de la creencia de Ferneyhough de que éste se percibe por medio de “multiplicidades confusas” (a partir de los estudios de Henri Bergson). Desde la composición de su ópera Shadowtime (2003-04), Ferneyhough ha recalado a menudo en un trabajo de trazos temporales efímeros, inestables, saturados, caóticos, como modo de exigir al oyente una máxima atención y vivencia de entornos complejos en los que definir los distintos planos y vectores que conforman lo que comprendemos como temporalidad. Desde un comienzo abigarrado en cuanto a elementos y tempi concomitantes, Chronos-Aion va acumulando una serie de materiales sonoros que nos hablan de tiempos en paralelo con perspectivas discrepantes, y que poco a poco tienden hacia la paralización.
Completa el SACD la potentísima Müll (2008), del sueco de adopción Dror Feiler (Tel Aviv, 1951). Müll -que significa ‘basura’-, está compuesta para gran ensemble amplificado, dos cantantes y electrónica en vivo. Feiler se pregunta por qué las sonoridades hechas con lo que durante mucho tiempo se consideraron residuos musicales, así como la propia música callejera, le suele emocionar más que la que escucha en las salas de conciertos. Para Feiler ello se deriva no de un afán comunicativo superior a la música misma, sea de corte político o estético, sino de la necesidad intrínseca al compositor de crear, de producir sonido, algo que en la actualidad estudia en el ámbito de su trabajo Cinco obstáculos para escribir la verdad. Cuando Feiler afirma que “la música es un ruido castrado”, cree que a ésta se le resta la visceralidad y directa expresión que adquiere en formas populares de componer hoy en día. Tomando el poema Los nueve mosntruos (1937), del peruano César Vallejo, Feiler crea una obra desgarrada, directa, histriónica, a camino de muchas músicas, pura fussion contemporánea, que a muchos hará reventar los tímpanos, cuando no las categorías de género en sus lógicas. Con todo, una valiente y ardiente invitación a descubrir otros modos de hacer música, y cuando menos más fresca e impactante que el un tanto académico Ferneyhough. Ayuda, y mucho, la participación de un Klangforum Wien que últimamente se encuentra en estado de gracia. Dirigido por Rolf Gupta, con Meira Asher y Martin Winkler en el aparato vocal, y con el propio Dror Feiler en la electrónica, firman una versión electrizante. Pura dinamita. Por su parte, el Ferneyhough del Ensemble Modern a las órdenes de Franck Ollu se antoja algo encorsetado de más.
La edición de los compactos sigue las líneas maestras que nos ofrece NEOS desde su nacimiento; esto es, libretos con textos muy informativos (en la mayor parte de los casos firmados por los propios compositores -disponibles en castellano gracias a la participación de la Fundación BBVA en el proyecto-), y unas tomas sonoras excelentes, en este caso de la siempre sobresaliente SWR alemana. A ello se añade que todas las tomas son primera grabación mundial, y buena parte de las mismas de los estrenos; de ahí que, como siempre, estos volúmenes adquieran un enorme valor histórico.
Paco Yáñez